El nombre de esta banda es imposible de memorizar: Les Szgaboonistes, y el estilo de música que reinvindica desde la tapa de su disco parece haber nacido del encuentro de Emile Vacher, el popular acordeonista de los años 30, Django Reinhardt y los Sex Pistols... Musette Punk Manouche. El estilo que prevalece desde la primera a la decimotercera canción es el swing manouche, esa versión de jazz alegre y virtuosa que legó Django Reinhardt al mundo gracias a sus actuaciones y grabaciones solistas o junto con el Hot Club de France. El musette está presente con varios valses y el punk por la energía de las interpretaciones. A lo largo del álbum, hay muchas buenas sorpresas: un homenaje a Django, una canción escrita sobre la base del canto revolucionario español "El paso del Ebro", una adaptación del "London Calling" de The Clash (la muerte de Joe Strummer tuvo mucho eco en Francia, y se refleja en las varias adaptaciones de sus canciones que se editaron últimamente) y un curioso "Tango del Monstruo del Lago Ness". Por supuesto, este álbum hace pensar muchas veces en aquel que sacó Sanseverino hace un poco más de un año. Sin duda el éxito de Sanseverino, que puso nuevamente de moda el swing manouche, permitirá a los Szgaboonistes encontrar un público rápidamente. Lo merecen, ya que han publicado uno de los discos más interesantes de estos últimos meses en el mercado del rock francés.
"Paris brûle-t-il ?", Les Szgaboonistes, Productions Spéciales - 2003

Con “Chambre avec vue” (lanzado en algunos países como “Room with a view”, aunque los temas no hayan sido traducidos al inglés), Henri Salvador se reinventó a sí mismo y se convirtió en el crooner que faltaba en el paisaje musical de Francia.
Henri Salvador fue un músico por lo menos ecléctico. Su carrera empezó a fines de los años 40, cuando integró la orquesta de Ray Ventura, la más popular de las grandes orquestas de swing y de jazz francesas de los años 40, los creadores de la inolvidable marquesa de “Tout va très bien, Madame la Marquise”.
Nativo de la Guyana Francesa, Salvador integró la orquesta cuando se había exiliado a América Latina y vivía entre Río y Buenos Aires, mientras Francia era ocupada por los alemanes. De regreso en Francia, luego de la Liberación, Henri Salvador acompañó un tiempo más a la orquesta, y empezó una carrera solista. Sus primeros años fueron marcados por canciones jazz, algunas baladas exóticas y biguines, recuerdos de esa Francia de América Latina de donde era originario. Es aquella época de su carrera la que Henri Salvador vuelve a protagonizar, con temas muy melódicos, letras nostálgicas y una voz suave acompañada por una formación de jazz. Porque en realidad, la carrera de Salvador fue tan exitosa como heterogénea. Pocos artistas se dieron como él el gusto de hacer lo que se les antojaba. Y sobre todo hacerlo siempre con mucho talento y mucha creatividad. En los años 50, junto con su amigo Boris Vian grabaron los primeros rocks de Francia (y muy probablemente los primeros en un idioma que no fuera el inglés), bajo el pseudónimo de Henri Rolling. Era más bien un rock muy jazzy, con textos burlescos. En los años 60, Henri Salvador mostró una nueva cara de su talento, convirtiéndose en una especie de payaso de la música, con canciones que eran verdaderas piezas teatrales puestas en música (“Zorro est arrivé”, “Ah! Ce qu’on est bien quand on est dans son bain”, “Le travail c’est la santé», «Juanita Banana», etc…). Durante los 70, grabó muchas canciones para chicos con composiciones propias y adaptaciones de los temas de las películas de Walt Disney. Los domingos por la tarde, los chicos seguían por televisión sus shows, que combinaban disfraces, canciones y muchas risas. A fines de los 70 adaptó algunos temas brasileños, entre ellos el famoso “Lanza perfume” de Rita Lee, y se jubiló… hasta volver con “Chambre avec vue”.
El nuevo álbum de Henri Salvador salió a fines de año pasado, se llama “Ma chère et tendre”, un homenaje a su esposa fallecida hace poco. Es el fiel sucesor del álbum anterior, con los mismos arreglos livianos y jazzy, el mismo equipo de autores (entre cuales se destaca la cantante Keren Ann), las mismas melodías tranquilas. Son temas que hablan de viajes, de recuerdos, de estaciones balnearias, de mañanas con esperanza. Entre ellos figura también un tema que Salvador había escrito hace tiempo con Dréjac, el autor de algunos clásicos de los años 50.
Con más de 90 años de edad, Henri Salvador volvió a los estilos de sus inicios, con una voz intacta y sorprendente de frescura. Desde los clásicos “Maladie d’amour” y “Syracuse” hasta los nuevos “Ma chère et tendre”, “Bormes les Mimosas” e “Itinéraire”, pasaron casi 50 años, en los cuales se diluyen poco a poco los recuerdos de Salvador el rockero, Salvador el cómico, Salvador el tropicalista, Salvador el cantante para niños, y se afianza la sola imagen de Salvador el crooner, el mejor que haya tenido Francia durante todos estos años.
“Ma chère et tendre”, Henri Salvador, Source – Virgin France, 2003

Cuando ya nadie lo esperaba, y se pensaba que sus problemas familiares y el alcohol lo habían alejado de la canción, Renaud presentó hace dos años un álbum de nuevas canciones. Fue “Boucan d’enfer”, que hemos presentado en esta misma sección en la edición Nº XX de este boletín. El disco recibió elogios y premios, y marcó un nuevo giro en su carrera. Luego de cantar a los suburbios populares y marginales, luego de cantar la felicidad en familia y las alegrías de criar a su hija, este disco reúne canciones más sombrías. “Docteur Renaud, Mister Renard”, el tema que se eligió para promocionar el disco, presenta a Renaud bajo dos facetas de él mismo, como lo hizo antes de él Serge Gainsbourg, que cantó a menudo a su “doble” Gainsbarre. El luminoso Renaud y el oscuro Renard estuvieron presentes en todo el disco y cada uno de los dos marcó a su manera las canciones del álbum. Hasta la tradicional canción que Renaud dedica a su hija en sus discos fue esa vez más pesimista, ya que hablaba de los peligros que corren las chicas en el dificil aprendizaje que es la adolescencia.
El considerable éxito de “Boucan d’enfer” desembocó en una gran gira por toda Francia y los países francófonos durante el año 2003. Y esta gira a su vez dio lugar a una grabación en público: un doble CD, con 24 temas, bautizado como la gira: “Tournée d’enfer”. Por supuesto, en este espectáculo hay varias canciones de “Boucan d’enfer” y, de hecho, “Docteur Renaud, Mister Renard” es el tema de introducción. También están “Mon bistrot préféré” y “Manhattan Kaboul” (grabado originalmente a dúo con la cantante belga Axelle Red). El resto del espectáculo fue un paseo por la carrera y los éxitos de Renaud. Hay algunos de sus temas más entrañables, como “La mère à Titi” (un retrato muy cariñoso de una mujer de clase baja y un universo reducido al ambiente de un departamento), “Manu” (la historia de un pandillero de los suburbios de París, que se hace el duro para ocultar heridas sentimentales) o “Baltique” (un homenaje indirecto a François Mitterrand, luego de su muerte, a través de su perro Baltique).
No es casual que figuren varios de los temas de “Morgane de toi”, un disco que se puede considerar como el opuesto a “Boucan d’enfer”. Fue grabado en el año 1983, luego del nacimiento de su hija, cuando se había confirmado como uno de los cantautores más populares e influyentes de su generación. Hay nada menos que cinco temas de este álbum en este nuevo disco en público: “Pochtron!” (que ya hablaba de sus problemas con el alcohol, pero de manera risueña, acorde con su espíritu de entonces), “En cloque” (una canción que recuerda el embarazo de su mujer y el nacimiento de su hija) y “Morgane de toi (amoureux de toi)”, la primera canción que escribió sobre su hija. Los otros dos temas de 1983 son “Déserteur”, escrito sobre la base de “Le déserteur” de Boris Vian, una verdadera obra maestra, y “Dès que le vent soufflera”, que retrataba con humor el aprendizaje de Renaud como velerista y navegante.
En este doble CD están también algunos de los grandes éxitos de los años 70 y 80, como “Laisse béton” (la canción con la cual Renaud saltó a la fama), “Dans mon HLM” (un verdadero estudio sociológico, que retrata a los ocupantes de un edificio de departamentos), “Marche à l’ombre”, “Marchand de cailloux” o también “It is not because you are” (una parodia del uso del inglés en la canción por razones marketineras). Y como siempre en los espectáculos de Renaud, está “Germaine”, y como siempre, el público canta el estribillo, en lo que se convirtió en un episodio obligado de sus espectáculos. Germaine no volvió todavía de Katmandú, y los juegos de palabras que Renaud hace sobre este tema son siempre los mismos, pero es justamente eso lo que hace la gracia y lo que el público espera cuando viene el turno de esta canción... Sin embargo este tema, más que los otros, delata el desgaste vocal de Renaud. Aunque hay que reconocer que nunca fue un gran vocalista, esta grabación en público muestra que los duros años que el artista acaba de pasar dejaron huellas en su voz (algo que la grabación en estudio de “Boucan d’enfer” había logrado esconder o minimizar). Pero si se puede sentir tristeza por la voz gastada de Renaud, no se puede dejar de apreciar el coraje de este hombre que se mostró sin engaños ni arreglos frente a su público. Este es también el estilo de Renaud. Y también es por esto que sin duda el público fue tan masivamente a verlo durante la gran gira del 2003.
Dos últimos detalles: la tapa de este disco viene con un holograma. Y el último de los temas no fue grabado en público sino que es una nueva versión remixada de “Elle a vu le loup” (una canción de “Boucan d’enfer”, una advertencia de un padre a su hija adolescente sobre las primeras relaciones amorosas).
“Tournée d'enfer”, doble CD, Renaud, Virgin - EMI Music, 2003

Pocos músicos se pueden enorgullecer de haber creado estilos y nuevas movidas, pero los parisinos de Java están entre ellos. Crearon una de las fusiones menos pensadas de la música, la del rap y del musette. Su propuesta es un atajo de más de 70 años entre los bailes populares de los años 30, llevados al ritmo de la java y del vals por un acordeón, y el rap y la cultura hip-hop de los subrubios de París de estos últimos años. Todo esto no podría existir sin una buena dosis de humor y un real talento musical.
Así es Java, un conjunto que no podría haberse formado fuera de París. Su nombre es ya todo un homenaje a la tradición musical más parisina del siglo XX. Por una vez, no nos vamos a limitar a presentar únicamente la nueva producción, sino que toda la discografía de este conjunto. Porque sin duda, Java marca un hito en la escena actual francesa y creó un universo musical único. El primer álbum se llamaba sencillamente “Java” y fue editado en el año 2000. En 13 temas, plantaba lo que es su estilo. Mezclas de “bal musette” y de rap y ragga, de rock y de samples. El título más conocido de aquel disco es “Le poil”, una canción humorística sobre los pensamientos de un... pelo. Por la difusión de este tema, Java es muy a menudo asociado a la ola del nuevo rock realista francés, aunque por muchos aspectos, su música es muy distinta.
Haciendo eco a la fuerza escénica del conjunto, el segundo disco fue grabado en público. “Java sur Seine”, con un juego de palabras que afirma su origen parisino, está compuesto por temas del primer álbum y dos nuevas canciones. También tenía una versión larga (15 minutos) de “Sex, accordéon et alcool”, que muestra toda la capacidad de improvisación del acordeonista del conjunto. Este disco fue editado en el 2001. Pasaron dos años hasta descubrir el nuevo trabajo del conjunto, editado a fines del año pasado. Este segundo disco en estudio se llama “Safari croisière” y propone una especie de tour musical entre París, Río de Janeiro (donde fueron grabados parte de los temas), Jerusalem, el Caribe y los mares del sur. Las dos cabezas del conjunto, el cantante-autor y el acordeonista-compositor, explican que este nuevo disco fue “hecho con más tiempo y se le dio más importancia a la música que a las letras”, a diferencia del primer álbum. El resultado es excelente. Y sin duda se trata de una de las propuestas musicales más originales de Francia actualmente.
“Safari Croisière”, Java, S.M.A.L.L. - Sony Music Entertainement France, 2003

Es la segunda vez que presentamos a Lynda Lemay en este boletín. Se trata sin duda de una de las autoras-compositoras más originales e interesantes de la canción francófona de hoy. Es oriunda de Québec y goza de mucha popularidad a ambos lados del Atlántico Norte. En Francia, ganó incluso la “Victoire” (premio de la música) a la mejor Intérprete Femenina del año en 2003. El año pasado, había presentado “Les lettres rouges”, un disco de nuevos temas pero grabado en público. “Le secret des oiseaux”, su nuevo trabajo, fue grabado en cambio en estudio. Se puede extrañar tal ve z la espontaneidad que se podía apreciar en las “Lettres rouges”, pero este nuevo disco ganó en diversidad musical, aunque generalmente Lynda Lemay privilegia acompañamientos muy livianos y simples, que ponen en valor sus textos: un piano y algunas cuerdas, guitarras y violines.
Las canciones de Lynda Lemay van de la alegría a la tristeza, de la ligereza a la profundidad. Retratan personas, grupos sociales, sentimientos, las fallas de nuestras sociedades. Parecen haber sido escritos de manera espontánea, con facilidad y superficialidad, pero un examen más atento revela una gran maestría y un excelente manejo del francés, además de un alto nivel de lenguaje poético. Como en sus discos anteriores, Lynda Lemay destaca sobre todo cuando quiere conmover (“Les épouses”) y quiere hacer reír (“Ça sent le bébé”). Con las canciones de sus álbumes anteriores ya se ganó un lugar en primera fila entre los grandes creadores de la canción francófona actual, y este disco la confirma en su lugar. Aunque no cambie nada en su manera de escribir, tanto los textos como las músicas, su obra no cansa ni se repite nunca. En esto, se puede pensar en Jacques Brel, Jean Ferrat o Georges Brassens, que siempre repitieron una línea de escritura muy personal a lo largo de sus carreras. Lynda Lemay trabaja de la misma manera. Sus melodías son eficientes por sí solas, sin necesitar los artificios de orquestaciones complejas. Sus textos son inteligentes y muy bien escritos para captar la atención y no desviarla a lo largo de todo el disco.
En “Les secrets des oiseaux” se destacan sin embargo “J’aime pas les femmes” (un rock sobre las difíciles relaciones entre mujeres y hombres), “Ça sent le bébé” (el olor particular de los hogares donde nació un bebé), “Le vieux garçon” (un retrato de los solteros que piensan disfrutar de su libertad y se mueren de soledad) y “Les épouses” (los matrimonios en los cuales las esposas se convierten en un mero simbolo de respetabilidad para sus esposos). En total son 15 nuevos temas, que conforman este disco tan excepcional como los anteriores.
Para quienes ya conocen a Lynda Lemay y aprecian su obra, hay que saber que está terminando una comedia musical (un género por cierto muy popular y muy rentable en Francia y en Québec desde los años 90) que contará la evolución de las relaciones entre una madre y su hija. El espectáculo tendría que estar en escena para fin de año o principios de 2005.
“Les secrets des oiseaux”, Lynda Lemay. Warner Music Canadá, 2003

Desde siempre, el dúo Rita Mitsouko, compuesto por la vocalista Catherine Ringer y el instrumentista Fred Chichin, crea la sopresa con un nuevo disco. Nunca están donde se lo espera, y siempre se reinventan con mucho talento. Luego de haber creado un estilo propio a principios de los años 80, mezclando rock, bel canto y sonoridades latinas, fueron uno de los muy pocos músicos franceses que lograron pasar las barreras lingüísticas y exportarse a todo el mundo a lo largo de los 80 y los 90. Hasta simbolizan el pop-rock francés en muchas regiones del mundo.
Con su nuevo álbum, sorprendieron una vez más. Este disco fue grabado en público, con la mítica orquesta Lamoureux de París. Y los 13 temas que lo conforman alternan tanto temas propios (“Triton”, “La fille venue du froid”, “Les guerriers”, “Trop bonne”, “La sorcière et l’inquisiteur” y “Andy”, el único de sus grandes éxitos populares que figura en este disco) y otros tomados prestados. El disco se abre con tres temas de Léo Ferré (en realidad poemas de Paul Verlaine musicalizados por Ferré): “Ecoutez la chanson bien douce”, “Il patinait merveilleusement” y “O triste”. Hay también temas de de Neil Young (“A man needs a maid”), de Philip Glass (“Mad rush”), de Serge Gainsbourg (“Le velours des vierges”) y de Charles Trenet (“Où sont-ils donc?”). Este último tema es el corte de promoción y difusión del disco.
Este nuevo álbum fue grabado en público, en el Teatro de los Champs Elysées, y el dúo fue acompañado por la Orquesta Lamoureux. Esta mítica formación musical sinfónica fue creada en 1881 y acompañó a algunos de los más prestigiosos concertistas del mundo: Pablo Casals, Léonard Bernstein, Arthur Rubinstein, Charles Münch y muchos otros. Fue esta orquesta la que tocó por primera vez “La Mer” de Debussy y “La Valse” de Ravel, entre otros. La orquesta grabó también muchas obras bajo la batuta de Igor Markevitch para el sello alemán Deutsche Grammophon.
Si bien puede parecer lógico que dos monumentos de la música francesa se encuentren por el tiempo de un disco y un par de conciertos, nada hacía pensar que el rock de Rita Mitsouko encontraría una nueva ropa musical bajo las interpretaciones sinfónicas de la Orquesta Lamoureux. El resultado es excelente. Es sin duda uno de los acontecimientos musicales del año.
“Les Rita Mitsouko en concert avec l’Orchestre Lamoureux”, Rita Mitsouko, Virgin – EMI Music, 2004

El nuevo disco de los Têtes Raides era muy esperado luego del éxito del álbum precedente, “Chamboultou”, pero sobre todo porque se convirtieron con el paso del tiempo en los líderes del rock realista francés. Una vez más, el conjunto se pone a la altura de las expectativas. Cada canción es como una pieza de teatro. Sonoridades, textos, instrumentos elegidos, melodías e interpretación: no importa cuál sea el costado por donde se aborda cada canción, el resultado es impecable. Todo lleva además una buena dosis de humor y sarcasmo, como lo revela el título del disco (también es el título de la canción que fue el corte de difusión en Francia).
Les Têtes Raides es un grupo de una decena de músicos que se convirtió en un fenómeno masivo solamente con el “boca a boca”, sin ser difundido en las radios y las televisiones gran público. Las influencias del conjunto son tanto Brassens como la música de circo, el rock y el punk, The Pogues, el folklore y la canción realista y cómica de los años 30. Esta mezcla parece muy improbable, y sin embargo el talento de los músicos y los autores de Têtes Raides hace que sea uno de los discos más interesantes del año.
“Qu'est ce qu'on se fait chier!", Têtes Raides, Tôt ou Tard, 2003